L’orgue Hammond fut créé en 1934 par Laurens Hammond, un horloger né dans l’Illinois (Evanston, 1895 - 1973) et spécialisé en ingénierie électrique qui, après avoir déjà inventé le cinéma 3D, s’était mis dans la tête de fabriquer un instrument de taille raisonnable, peu coûteux et capable de reproduire les sons d’un orgue à tubes. Inutile de décrire ici le mécanisme intérieur qui fait l’objet de nombreuses pages Web spécialisées. Simplifions en disant qu’Hammond réussit à récupérer des courants induits par magnétisme à l’aide de petites roues dentelées actionnées par un moteur synchrone, à les amplifier et à produire des sons à travers un haut-parleur. Pour synthétiser et affiner les timbres, chaque note fondamentale fut mixée à un nombre d’harmoniques contrôlées à l’aide de tirettes (drawbars). Finalement, en utilisant un clavier de piano pour sélectionner les sons générés par l’inextricable système électromécanique, il rendit l’appareil utilisable par un musicien (ouf !). Après de nombreux mois d’expérimentation laborieuse pour perfectionner son engin, l’improbable instrument fut révélé à New York City en avril 1935 devant un public immédiatement conquis. En définitive, ce qu’Hammond réussit à construire fut un orgue électronique dont les standards étaient proches de ceux d’un orgue d’église tout en étant trente fois moins cher, nécessitant une technique de jeu comparable pour l’actionner et qui, de surcroît, permettait d’obtenir des colorations tonales jamais entendues auparavant. Le succès aidant, Laurens Hammond continua à perfectionner son instrument au cours des années pour aboutir finalement en 1955 au fameux Hammond B-3. Doté de deux claviers superposés de 61 touches chacun, d’un pédalier de 25 notes, d’effets de vibrato et d’un système de percussions, cet orgue légendaire reste aujourd’hui le plus célèbre des instruments électroniques. Et son succès grandira encore quand l’amplificateur à diffuseurs rotatifs de Don Leslie sera adjoint à la console. Bien plus tard, on essaiera de reproduire le son Hammond grâce à l’électronique mais sans jamais y arriver : le B-3 est une singularité qui n’a pas livré tous ses secrets et dont les défauts inhérents à sa complexité contribuèrent paradoxalement à son succès.

Après les églises qui se ruèrent littéralement sur ce nouvel instrument, les musiciens ne mirent pas longtemps à adopter l’orgue Hammond. George Gershwin, Ethel Smith et Fats Waller notamment comptèrent parmi les tout premiers à en acquérir un exemplaire. Mais même s’il ne fut pas chronologiquement le premier à l’avoir adopté, le musicien qui fit entrer l’orgue Hammond dans l’histoire du Jazz s’appelle Jimmy Smith. Il fut le premier en tout cas à en jouer d’une façon moderne, explorant toutes les possibilités de l’instrument et parvenant ainsi à en tirer des sons d’une incroyable intensité et jamais entendus auparavant. Fasciné comme beaucoup d’autres pianistes de Jazz par Wild Bill Davis et Bill Doggett qui jouaient du Hammond dans l’orchestre de Louis Jordan, Smith apprit à maîtriser l’orgue en autodidacte au début des années 50, en commençant par le pédalier. Plus tard, ses premières prestations en public dans un club de Philadelphie se feront en duo avec une batterie, Smith se chargeant seul des harmonies, des mélodies et des lignes de basse qu’il jouait avec les pieds. En 1956, Smith sort le premier album d’une longue série sur le label Blue Note (A New Sound, A New Star : Jimmy Smith At The Organ) tandis que son concert au Newport Jazz Festival de 1957 lui attire une notoriété justifiée : sa combinaison originale de Soul-Jazz et de Be-Bop transcendée par une incroyable énergie était de nature à attiser une excitation d’un nouveau genre dans un public de Jazz. Maîtrisant le pédalier à la perfection, combinant les accords plaqués de la main gauche avec les solos joués à la main droite, utilisant toutes les combinaisons possibles de sons, Smith s’imposa rapidement comme le maître du Hammond B-3. Il restera avec Blue Note pendant sept années pendant lesquelles il sortira 31 LP en suscitant des collaborations réussies avec des artistes comme Kenny Burrell et Stanley Turrentine (Back at the Chicken Shack et Midnight Special, 1960) ou Lee Morgan et Lou Donaldson (The Sermon, 1958), avant de signer un nouveau contrat avec Verve. Parfaitement capable de retenir l’attention dans de petits combos, Smith pouvait aussi bien tenir tête à tout un orchestre et imposer le son de l’orgue au dessus des sections de cuivres : en plus de sa collaboration magique avec le guitariste Wes Montgomery (Jimmy & Wes : The Dynamic Duo, 1966), ses sessions avec les orchestres d’Oliver Nelson et de Lalo Schifrin pour le label Verve sont aussi mémorables (Bashin' - The Unpredictable Jimmy Smith, 1962 et The Cat, 1964). Dans les années 70, sa production devint moins essentielle, moins funky, plus prévisible et parfois à la limite de la redite à l’exception toutefois du superbe Root Down (Verve, 1972) capté live à Los Angeles en février 1972 qui est l’un des concerts les plus chauds jamais enregistrés par l’organiste. Il essaiera aussi d’autres marques d’orgues ou même des synthés dans les années 80 mais, face au désintérêt de son public, il reviendra rapidement et définitivement à son instrument fétiche. Il finira même par resigner avec Blue Note en 1985 pour produire à nouveau en compagnie de ses anciens comparses, Kenny Burrell et Stanley Turrentine, quelques bons disques dans le style qu’il inventa et qui fit sa gloire (Go For Whatcha’ Know, 1986).

Bien qu’il aie popularisé l’orgue Hammond dans un contexte Jazz, Jimmy Smith est loin d’être le seul musicien à en avoir maîtrisé toutes ses possibilités. Dès les années 60, de nombreux autres artistes talentueux ont apprivoisé ce nouvel instrument et enregistré des disques qui comptent parmi les meilleurs que le Jazz ait produit : Wild Bill Davis, Jimmy McGriff, Larry Young, Lonnie Smith, Charles Earland, Lou Bennett, Richard "Groove" Holmes, Brother Jack McDuff, Don Patterson, Big John Patton, Freddie Roach, Reuben Wilson, Eddy Louiss et Shirley Scott sont parmi les plus connus. Et plus récemment, de nouveaux maîtres ont émergé, propulsant le nom du Hammond dans le Jazz moderne et jusqu’au cœur des musiques actuelles : Joey DeFrancesco, Larry Goldings, Barbara Dennerlein, Dan Wall et John Medeski pour ne citer que quelques un parmi les plus grands.

Trois mots reviendront périodiquement dans les chroniques pour décrire la musique produite par les combos comprenant un orgue Hammond : Soul, Funk et Groove. La Soul trouve son origine dans les chants religieux interprétés avec effervescence dans les églises par les noirs américains. Bientôt désacralisée, elle finira par se confondre dans les années 60 avec la musique produite par les labels Motown ou Stax. En Jazz, on utilisera le mot Soul pour une musique jouée par des artistes qui expriment toutes leurs convictions, qui y mettent toute leur âme, par opposition à une musique réfléchie, conceptuelle ou technique. Le Funk est une forme plus radicale de Soul apparue dans les années 70 notamment avec James Brown et Sly and the Family Stone. Il se réfère à l’odeur de la sueur due à l’effort physique (la danse mais pas seulement !) et se caractérise par un rythme syncopé au sein duquel les lignes de basses jouent un rôle essentiel. Enfin le Groove lui ne doit pas être considéré comme un style musical mais plutôt comme une façon de jouer n’importe quelle musique en léger décalage par rapport à ce qu’elle pourrait être sur une partition. Il est, pour les musiques funky souvent binaires, ce qu’est le swing pour le Jazz classique. Le Groove procure un sentiment de bien être mais il est difficile à expliquer. De toute façon, comme disait Louis Armstrong à propos du swing : si vous avez à demander ce que c’est, c’est que vous ne le saurez jamais….